Insiders

Raphaël Zarka : Topographie Anecdotée du skateboard

2009-12-07T14:00:00.007+01:00

Mercredi 9 décembre, 19h30 Auditorium du CAPC.
Entrée 3 euros

Topographie Anecdotée du skateboard (2008), film, 40'

Topographie Anecdotée du skateboard (2008) est un film de montage où, à partir d'une quarantaine de documentaires, de films ou de vidéos de skate réalisés entre 1964 et 2006, Raphaël Zarka dresse une typologie des espaces du skateboard en mettant en avant la relation entre les espaces trouvés (ceux que s'approprient les skateurs) et les espaces construits pour cette pratique. Topographie Anecdotée du skateboard fait suite à deux livres que l'artiste a consacrés à la pratique du skateboard : Conjonction Interdite (2003, réédité aux éditons F7 en 2007) et Une Journée sans vague, chronologie lacunaire du skateboard (2006, réédité aux éditions B42 en 2009).

Né en 1977, Raphaël Zarka est artiste, il est représenté par les galeries Michel Rein (Paris) et Motive (Amsterdam).

De la France mystérieuse... par Pierre Fisher et Justin Meekel

2009-11-05T15:31:00.018+01:00

« Suite à la trouvaille du Guide de la France Mystérieuse, écrit en 1966 par René Alleau, nous partons pendant plus d’un mois sur les routes de France dans l’espoir de débusquer de nouveaux mystères. Les rencontres et découvertes satisfaisantes sont ensuite formalisées dans des livrets édités et distribués tout au long de notre parcours grâce à une Peugeot 205 réaménagée en mini-imprimerie. Une série de 8 livrets ont été produits entre le 8 juillet et le 13 août 2009. »

"Following our discovery of the Guide de la France Mystérieuse, written by René Alleau in 1966, we decided to embark on a tour lasting a little over a month on the back-roads of France hoping to discover new mysteries. The results of our most fruitful discoveries and encounters were published in a series of booklets and distributed along our route thanks to a Peugeot 205, which had been converted into a mini-printing press."

Pierre Fisher et Justin Meekel, De la France Mystérieuse, 2009
8 livrets réalisés à Bézu-la-Forêt, Pont-Audemer, Plourin-Ploudalmézeau, Brasparts, Montrichard, Moncoutant, Bize-Minervois, Balaruc-le-Vieux, Pertuis, Oppède, Chanteuges, Les Martres-de-Veyre, Nantua, Matafélon, Broye-les-Pesmes et Obermodern-Zutzendorf
Entre 12 et 20 pages, 17,5 x 11 cm, édition illimitée français / anglais

"Le déchireur fou", pp. 22, 23, n°2, Plourin Ploudalmézeau,
in De la France Mystérieuse, de Pierre Fischer et Justin Meekel, (2009)

pages extraites du Guide de la France Mystérieuse,de René Alleau (1966),
reproduites in n°9 Chanteuges, De la France Mystérieuse, de Pierre Fischer et Justin Meekel, (2009), p. 89

Recycling : 2012 Architecten + Cornelia Lauf

2009-10-28T15:34:00.009+01:00

Chair Way to Heaven (Reading Room)

Conçu par 2012 Architecten

Bibliothèque curatée par Cornelia Lauf

Le recyclage est au centre de la stratégie de conception de 2012 Architecten. La prise en compte des conditions de la collecte au sein d’un périmètre de moins de 50 km du site d’un projet est impératif. Selon la nature des matériaux récupérés, les mises en oeuvre sont inattendues. La conception ne relève pas d’un processus linéaire mais elle est envisagée comme une phase inscrite dans un cycle continu de création. Les architectes ont par ailleurs initié une plateforme collaborative, Superuse, qui propose aux architectes et à tous les publics de mettre en commun des réalisations innovantes dans le domaine du recyclage des déchets. Pour Insiders, ils ont réalisés une surprenante construction de chaises accueillant la bibliothèque de l’exposition. C.P.

Recycling is at the centre of 2012 Architecten’s design strategy. Waste collected less than 50 kms from the project site forms an essential part of their work. The nature of the waste calls for unexpected methods. Here, design is not a linear process but a phase in a continuous cycle of recreation. The architects are also the initiators of a collaborative platform called Superuse which offers architects and the general public to pool innovative designs in the field of waste recycling. For Insiders they have designed and made a surprising construction of chairs that stands as of the exhibition’s library. C.P.

« Le contenu de cette salle de lecture est le résultat de la fusion de trois listes de lecture : celle que j’utilise lors de mes cours de curatorial studies à l’Université de Venise, celle élaborée par arc en rêve et celle du CAPC. Chaque liste donne une idée de la façon dont on peut aborder l’exposition, la collecte et la sélection de ce qui mérite une attention particulière. Demandez à un artiste, un curator, un gardien de musée ou un étudiant une liste de livres sur la question de l’exposition, chacune d’elle sera différente. Le but de mêler ces listes est de montrer la portée philosophique des écrits sur la nature même de ce qu’exposer implique. Mais qui décide de ce qui a une valeur culturelle ? Dans cette chambre de lecture conçue par 2012, une réponse est proposée : tout un chacun. » C.Lauf

Photographes : Pierre Antoine Christian Lesemann

Collecting : 4 Taxis

2009-10-28T14:52:00.014+01:00

Hoy es el día de Roy Orbison en Oaxaca, Oaxaca, 2009

vidéo 14’

courtesy des artistes

Le Jour de Roy Orbison* à Oaxaca, Mexique, le 6 décembre 1993, cinq années après la mort du rockeur, est une manifestation commémorative créée par le groupe 4 Taxis et Frédéric Duprat. L’événement consiste à faire sillonner une voiture haut-parleur dans les rues de la ville pour annoncer la journée d’hommage à l’auteur-compositeur-interprète Roy Orbison au moyen de la diffusion de ses chansons et de la lecture de sa biographie. Le trajet se poursuit sur le site précolombien de Monte Alban, plus précisément dans la tombe numéro 7, vide, d’où s’échappent quelques mesures de In the real world. La journée s’achève place de la Soledad. Des mariachis jouent et chantent des lloronas près d’un calicot représentant Roy Orbison dans les flammes. 4 Taxis

*Cette manifestation s’inscrit dans la mouvance d’un groupe informel composé du groupe 4 Taxis, Guitar-Shaped Cakes, Grand Orchestre Berthelot et quelques proches qui ont instauré « la convention du 6 décembre » dédiée à la mémoire de Roy Orbison décédé d’une crise cardiaque le 6 décembre 1988.

Roy Orbison’s Day in Oaxaca* was created in Mexico on 6 December 1993 by 4 Taxis and Frédéric Duprat. A car with a megaphone drove around the streets announcing Roy Orbison Day, playing his songs and talking about his life. They then continued to the pre-Colombian site of Monte Alban, and more precisely to Tomb Number 7 (empty), where a few bars of the song In the real world could be heard. The day ended on Soledad Square. Mariachis played lloronas next to a banner depicting Roy Orbison in flames. 4 Taxis

*This event is part of a mouvement created by an informal group composed by 4 taxis, Guitar-Shaped Cakes, Grand Orchestre Berthelot and some other friends who instored “la convention du 6 décembre” dedicated to the memory of Roy Orbison who died of heard attack on decembre 6th, 1988.

La Mona, Maison statue de / Statue house of Armando Munoz Garcia, Tijuana. Photo @ 4 Taxis

De Christoph Gossweiler #2 : Insiders Comex

2009-10-02T14:56:00.010+02:00

1. Différentes cloches à plongeurs ayant servis au cours des années 70 et 80 sont placées de ci de là sur les parkings...

2. (jeepo1/02) "TOTAL SUB 1"
Sous-marin humide destiné au champ pétrolier de ZAKUM (Golfe Persique) où il fut opéré par COMEX comme "jeep des profondeurs" sorte de véhicule de dépannage sous-marin pour 5 plongeurs et leur outillage.
Profondeur: 60 mètres.
Vitesse: 5 nœuds.
Construit en 1969

3. "MIP 600"
Module d'intervention profonde destiné à l'observation.
Profondeur: 600 mètres
Construit en 1974

Liens :
miniflotte.net
Lien direct (pages 2 & 3)

De Christoph Gossweiler

2009-10-02T14:50:00.005+02:00

Animals in advertising - Bears. (1) 1991 - Your Russian partners are waiting. - airline. (2) 1993 - Union is strength. - packaging.

- accumulation à peu près (ou plutôt ramassis adventice ?) ici

- présentation "systématique" : ici

- interprétation compétente : ici

... et même l’œuvre artistique en fait partie : ici

Le Freistilmuseum

2009-10-02T14:16:00.008+02:00

Vue de la première exposition historique du Freistilmuseum, 1979, Windisch (Argovie)

Ce « musée » d’un genre un peu particulier fut créé en 1979 à Zofingen en Suisse, à l’initiative des artistes Christoph Gossweiler, Hans Ruedi Steider et Michael Stuker. Pensée comme une collection plutôt qu’une institution, le Freistilmuseum (musée du style libre) n’existe que temporairement à l’occasion d’expositions.

Les collections se composent essentiellement de photographies amateurs, coupures de presses, modèles réduits, albums de philatélies et autres bizarreries acquises depuis plus de 30 ans. Parallèlement à ce projet collectif anonyme, chaque artiste à su développer sa propre pratique artistique. Ainsi, Christoph Gossweiler est surtout connu pour ses peintures monochromes.

Le Freistilmuseum est né d’un besoin de montrer d’autres référents comme des alternatives possibles à l’histoire de la modernité artistique. Sorte de critique institutionnelle à l’échelle locale, ils souhaitaient recréer un terrain propice au développement d’une scène artistique en Argovie, canton coincé entre Zurich et Bâle.

Pour le CAPC, Christoph Gossweiler et Tiphanie Blanc collaborent afin d’activer un certain nombre de ces archives. Ces documents vus à travers le spectre du Freistilmuseum nous immergent dans des gestes de collectionneurs passionnés voir obsessionnels pensés comme « Insiders ».

Christoph Gossweiler est né en 1950 à Hüttlingen, il vit est travaille Strengelbach (Suisse). Il a participé à plusieurs expositions collectives ces dernières années comme au Centre Culturel Suisse de Paris en 2005 ou plus récemment dans les expositions « Abstraction – Extension » et « Abstraction étendue » présentées à la Fondation Salomon et à l’Espace de l’Art Concret en 2008. Il est représenté par la galerie Hubert Bächler à Zurich.

Lac Klazminskoye,Russie, pavillons

2009-09-29T20:21:00.005+02:00

Alexandre Brodsky, Moscou, architecte

Vodka Ceremony Pavillion, Alexander Brodsky, Lac Klazminskoye, Moscou, 2004
© Yuri Palmin

Somewhere between idealized cabins and primitive dwellings, Alexander Brodsky’s constructions are a transcription of aspects of the traditional Russian lifestyle: relaxing, swimming, fishing on the lakeside in the summer, or drinking vodka on frozen lakes. Deprived of architectural commissions both under the socialist regime and since the advent of liberalism, Brodsky has built his reputation in the American artistic community thanks to buildings made of paper. His commissioned constructions are mostly built in a chosen area of experimentation: the shores of Lake Klazminskoye near Moscow. The timeless, poetic, precarious creations presented here seem threatened, making new from old as if to highlight the ineluctible march of destiny. The materials used are all second-hand and seem eternally old: windows, doors and fences picked up when buildings are demolished.

Entre rêves de cabanes et demeures primitives, les pavillons d’Alexandre Brodsky sont une retranscription des modes de vie russes attachés à la détente, la baignade, la pêche au bord d’un lac l’été et aussi la consommation de vodka sur un lac gelé. Privé de commande architecturale, sous le régime socialiste et de même depuis l’avènement
du libéralisme, cet architecte s’est fait reconnaître par le milieu artistique américain pour ses projets théoriques. Aujourd’hui, ses constructions actuelles, oeuvres répondant à des commandes, sont édifiées pour la plupart d’entre elles sur un territoire qui permet l’expérimentation : les berges du lac Klazminskoye, à côté de Moscou. Sans âge, ses réalisations poétiques et précaires semblent menacées. Elles fabriquent de l’inédit avec de vieux matériaux, soulignant ainsi l’inéluctable cours du destin. Les éléments de construction utilisés ici proviennent tous de démolitions : les fenêtres, les portes et les grillages usagés y trouvent une vie éternelle.

E.T.

Peter fattinger, interview

2009-09-29T19:53:00.015+02:00

The exhibition INSIDERS, is an investigation, that try to shows and deals about the new alternatives way of practicing architecture. How the discipline call herself into question, how architecture put herself at the service, how does she invent new territories, new accounts, new fictions, weave social links. I had the feeling that architecture borrow or return to many popular knowledge for renewing itself…. Your feeling about that ?

PETER FATTINGER: Especially in practicing architecture, which really has such a momentous impact on so many fields of daily life, it is important to leave the narrow normative tracks and search for alternative ways. There is a big potential of exploring and inventing alternative processes already in the course of the academic architectural education. You can gain so much knowledge just by doing things yourself. This personal hands on involvement in project execution triggers a process where ideas are not just implemented, but further inspired. Therefore bricolage can be a perfect source for new ideas.

You are architect, you are teacher, and you make the choice to teach in building with students. In that way it define one of the new alternative frame of practicing architecture…How do you define, explain your own practice? How does it start for you ? Which feeling had make the decision to go further in that way ? And the assessment by report to that ?

P.F: Since 2000 I am running a design-build studio at Vienna University of Technology. Together with my students, we are designing and building architecture in collective teamwork, with an intense hands-on approach, through all project-stages, with all the related responsibilities and consequences: from drawing the initial sketch to carrying out the entire construction works and finally even organizing the opening-ceremony. By closing a process-circle of thought and action, we very directly and personally come to a built result. The students get the big picture of what producing architecture means and finally, when the building is in use, they get directly aware of what their ideas have brought about. At the same time and in the same team we are acting as initiators-researchers-designers-fundraisers-builders and sometimes even operators of an architecture in public interest. Our projects range from temporary, useable and inhabitable installations for the urban public space in European cities to permanent buildings for social institutions, like kindergartens, care centres and orphanages in South African townships and Indonesian disaster areas. The students leave the classroom to get confronted with real tasks and real conditions. Especially with the extra-european projects, the construction sites – far away from the environment the students are used to, not only in geographical, but also in social terms – become their places of work and learning for several weeks. Cooperative work for and with the local population fosters both a mutual cultural exchange and an awareness of what architecture truly means for the majority of the world’s population.

Some people speaks about a fashion attitude, an avatar or misadventure of postmodernism ? Does it have to be prolonged, to be transmitted, to be developed in the next couple of years and how ?

P.F: Within the last 10 years we gained a lot of experience in doing design-build projects with our students, starting with small projects and continuously raising the complexity and dimensions of the building tasks year by year.
In 2003 we did a pilot-project in the South African township Orange Farm, designing and building a day-centre and workshop for disabled people. As the project worked out great we continued with another two buildings in the following years, a home for disabled and a kindergarten. In the meantime eight schools of architecture from Austria and Germany followed the idea to do building projects in South African townships and joined together in a busy network, called Sarch.
So of course there is a kind of trend at schools of architecture to offer these alternative paths of architectural education and experience. Actually I do not see this as a fashion attitude, but as a long-term chance to reconsider architectural education and the making of architecture as a complete process, where students can interfere very directly and have to take over responsibility for their thoughts and actions.
Consequently we will continue with these projects in the next years and are looking forward to new challenging building tasks.

Interview with Eric Troussicot, August 2009

Le Rituel d’auto-vandalisme, commune de Saint Germain du Bel air. Par Claire Moulène

2009-09-29T12:03:00.005+02:00

Ce texte est extrait du catalogue :
Grand Chaos et Tiroirs, dir. Claire Moulène et Mathilde Villeneuve, Coédition B42, Paris, Les ateliers des Arques, 2008
Un livre de promeneurs et de collectionneurs, une documentation subjective et décloisonnée du folklore contemporain :

photographie Dominique Saur

Avec le temps, la normalisation politique et policière auront peut-être eu raison de plus d’un siècle de folklore local. Héritier indirect du charivari, le rituel ancestral de « l’enlèvement* » consistait, durant la fête votive de la commune de Saint Germain du bel air en Pays de Bourianne, au prélèvement systématique, sur la voie publique, d’éléments en tous genres. Panneaux de circulation, jardinières, poteaux électriques, enseignes, outils, mobilier de jardin, volets, bétail égaré, tuiles et portails : tout y passait, dans une belle confusion des genres venue alimenter l’esprit festif et nécessairement subversif de la fête annuelle. Effectué durant la nuit par une population – plutôt jeune – résidente du village, ce rituel prenait alors la forme plus ou moins cocasse d’un auto-vandalisme. Le lendemain, jeunes et vieux se rassemblaient sur la place centrale du village, à la Bascule (qui servait autrefois, dans ce village agricole, à la pesée des céréales et du bétail), admirer ce butin oh combien familier. Et pour cause : chacun des objets et trouvailles réunis sur la place appartenait en propre à l’un et à l’autre, au voisin le plus proche comme à celui domicilié de l’autre côté du bourg.
Directement inscrit dans le découpage séquentiel de la fête votive (liée aux origines à la célébration du Saint Patron du village avant de se décaler aux beaux jours pour donner le calendrier actuel) qui, généralement répartie sur trois jours consacre un temps à la jeunesse (soirée du samedi soir), un temps à la parade (avec le grand bal d’apparat) et enfin une dernière journée strictement réservée à la communauté villageoise, le rituel de l’enlèvement se déroule généralement le dernier soir. Une façon de boucler la boucle de cette dernière journée bien spécifique baptisée la « refête » (ou « rèirevota »), et qui correspond au moment où la collectivité se met en scène sur le mode de l’introspection et de l’entre-soi. Durant cette nuit, il s’agit pour la communauté improvisée (quoique très ritualisée puisque quasi exclusivement composée de jeunes gens) de faire preuve d’audace et d’inventivité. D’années en années, les nouveaux arrivants et les passeurs de générations tentent de surpasser les exploits réalisés par le passé. On assiste également à une forme de compétition entre les petits groupes de pilleurs qui se forment pendant la nuit tandis qu’il est de bon ton d’amplifier encore cette performance nocturne en accrochant aux arbres et aux enseignes toutes sortes d’objets incongrus. A une heure avancée, les troupes s’essoufflent et finissent par se retrouver sur la place du village pour mieux admirer leur trésor aux allures de vide grenier géant.
Pour Dominique Saur, responsable du secteur ethnologique des Archives départementales du Lot et auteur d’une thèse sur les fêtes votives lotoises, « les farces font surgir deux facettes antinomiques de la notion de travail, la gratuité de l’effort fourni dans l’obscurité du village endormi se présentant comme un double inversé du travail de production de la fête, de sa mise en place ». La fête, il est vrai, ne perdure d’années en années qu’au gré des bonnes volontés qui s’organisent désormais en comités des fêtes assurant la gestion et le bon déroulement de la manifestation. Une « institutionnalisation » généralisée de la fête qui n’a cependant pas enterrée la longue tradition des aubades précédant fatalement le temps des réjouissances. Une journée durant, une équipe de collecteurs et de musiciens sillonne le bourg et l’ensemble de la commune. En échange d’une ritournelle et d’un présent qui prend tantôt la forme d’une fleur en papier tantôt celle d’un gâteau (la coque, par exemple, gâteau traditionnel lotois), les villageois déposent une somme d’argent – généralement assez conséquente – dans un panier ou un carton prévu à cet effet. Seuls les foyers frappés par un deuil récent sont épargnés par la tournée aux aubades.

photographie Dominique Saur

La procédure d’enlèvement pourtant harassante, repose à contrario sur la gratuité du geste et l’extrême abnégation de ses adeptes. En échange, on peut supposer qu’ils y gagnent, du moins symboliquement, un droit temporaire sur l’ordre en place dans la commune. Par ailleurs, en obligeant les habitants à venir rechercher le lendemain l’ensemble de leurs biens sur la place du village, ils concentrent une dernière fois l’esprit communautaire de la fête.
Le rituel de l’enlèvement, à bien des égards, pourrait s’apparenter à une forme de charivari silencieux. D’étymologie inconnu, le Charivari ou Chahut est un rituel collectif occidental daté du XIVème siècle. Assez proche du carnaval, il n’est pas lié, contrairement à ce dernier, au calendrier mais s’inscrit dans la lignée d’un rite païen lié, aux origines, à la volonté ou à la nécessité de « faire du bruit » afin de conjurer la mauvaise augure d’un mariage mal assorti (d’un homme âgé avec une jeune femme par exemple) ou d’un remariage. Armé de poêles, casseroles, chaudrons, sifflets et huées, les villageois venaient ainsi faire du tapage, la nuit, devant la maison des amants irréguliers. Avec le temps, seule la dimension de chahut assourdissant a subsisté. On retrouve dans les fêtes de village cette superposition d’éléments sonores dissonants. « Aux bandes enregistrées des manèges se mêlent les déflagrations du tir des carabines, le brisement du verre des casse bouteilles, le claquement sec des pétards, le tout étant inéxorablement broyé par la puissance de la sonorisation de l’orchestre au fur et à mesure que l’on s’approche de la piste du bal » raconte encore la folkloriste Dominique Saur. Et si, étrangement, le temps de l’enlèvement leur oppose le silence feutré de la nuit (il s’agit au contraire de faire le moins de bruit possible afin de ne pas se faire repérer) l’on retrouve au cœur de ce rituel la notion toute charivaresque de monde à l’envers : confusion volontaire entre ce qui relève de l’espace public et ce qui au contraire appartient à la sphère privée ; notion baroque d’auto-vandalisme (les pilleurs n’hésitant pas à cambrioler leur propre patrimoine). Par ailleurs, on assiste, au-delà des conventions sociales, à une forme de re-hiérarchisation de la communauté en fonction du degré de tolérance des uns et des autres : les plus hostiles (ceux qui ne se prêtent pas au jeu ou osent se plaindre) bénéficiant d’un « traitement de faveur » sans égal (les maraudeurs sont d’autant plus sévères avec eux), tandis que les bons joueurs se voient relativement épargnés par ces pirates d’un soir.
On peut dater à une poignée d’années seulement l’arrêt progressif et nécessairement tacite (le rituel ne repose sur aucune consigne écrite) de ce jeu de l’enlèvement. S’il n’y a pas de faits majeurs qui président à cette décision et compte tenu que l’on ne peut pas gager absolument d’un effet direct du durcissement politique de ces dernières années, disons plutôt que c’est un phénomène propre à la ruralité française qui aura eu raison de cette subsistance folklorique. En effet, si la condition sine qua non de cette pratique de l’enlèvement reposait sur cette forme étrange d’auto-vandalisme, on peut considérer que c’est la moindre endogamie de cette entreprise ubuesque (du fait de la fuite massive des autochtones et du rachat non moins massif des propriétés par des non natifs peu coutumiers du folklore local ) qui aura sans doute conduit à la mort ce rituel vieux de plusieurs décennies, voire de plusieurs siècles.

* le rituel ne portant pas de nom précis, nous avons opté pour l’intitulé le plus explicite et le plus évocateur.

Vernissage / Opening : 9.10 16h / 4 p.m.

2009-09-23T21:39:00.014+02:00

avec / with :
2012 Architecten / Cornelia Lauf
4 Taxis
Kim Adams
Cory Arcangel
Vladimir Arkhipov
Bertille Bak
Ball & Nogues Studio
Leah Beeferman
Patrick Bouchain
Alexander Brodsky
Patrice Caillet
Jean-Marc Chapoulie et Denis Savary
Raimond Chaves / Inti Guerrero (performance)
Cybermohalla / Cédric Vincent
Călin Dan
Burning Man Festival
Stefan Canham + Rufina Wu
Crimsons Architectural Historians + Felix Rottenberg
Burö Detours
Jeremy Deller
Daniel Dewar & Grégory Gicquel, Mick Peter, Aiden & Agnes Fynch
Stephane Doesinger
Jimmie Durham
Thierry Ehrmann
El Ultimo Grito
EqA
Ruth Ewan
Fashion Architecture Taste
Peter Fattinger + Design-Build
Cao Fei
Peter Fischli & David Weiss
Pierre Fisher et Justin Meekel
Freistilmuseum / Tiphanie Blanc
Terunobu Fujimori
Anna Galtarossa & Daniel Gonzalez
Dionisio Gonzalez
Gramazio & Kohler
Richard Greaves
Peter Haimerl
Helen & Hard
Anna Heringer & Eike Roswag
HildunK
Victor Houteff / Jim Shaw
Interbreeding Field
Pierre Joseph
Alan Kane
Igloo Media Patrimoniu
Mike Kelley
le Vilain
Laurent Legall
Jacques Lœuille
Abu Bakarr Mansaray
Joseph Marzolla
Asier Mendizabal
Mathieu Mercier
MMW
Christodoulos Panayiotou
Gaël Peltier
Nikolay Polissky
Marjetica Potrc
Arne Quinze
Raumlabor
Pedro G. Romero / Archivo F.X.
Adelfo Scaranello
Janet Lee Scott
Dubravka Sekulic & Ivan Kucina
SPEEDISM
Sitesize
Brad Templeton
Suzanne Treister
Oscar Tuazon
Marcel Türkowsky
Viljoen & Bohn
Kaï Vockler + Archis Interventions
Mario Ybarra jr.
Raphaël Zarka (conférence)
Andrea Zittel
...

commissariat / curators
pour arc en rêve :
Francine Fort, directrice générale
Michel Jacques, architecte
Claire Petetin, architecte
Eric Troussicot, architecte
pour le CAPC :
Charlotte Laubard, directrice
Yann Chateigné Tytelman, responsable des projets
Émilie Renard, commissaire invitée
Christophe Kihm, conseiller scientifique invité

Celebrating: "A Jukebox of People Trying to Change the World" by Ruth Ewan

2009-09-22T18:37:00.005+02:00

Le jukebox rassemble plus de huit cent chansons idéalistes ou politiques collectées par l’artiste britannique Ruth Ewan depuis 2003. La compilation est structurée en plus de soixante-dix catégories telles que le féminisme, l’écologie, l’anti-thatchérisme, la révolution, l’Amérique Centrale, les jeunes, l’éducation… On y trouve aussi bien Robert Burns, Billie Holliday, Joan Baez, Manu Chao, Black Sabbath, que des chansons hébraïques, tibétaines, de l’Union des Populations de l’Angola… Dépassant les clivages stylistiques, la collecte d’Ewan met en lumière le processus de démocratisation des idées radicales, entre décantation, appropriation, et transformation.

Photo courtesy de l'artiste

Celebrating: Bilbao and Pabilioia by Asier Mendizabal

2009-09-22T18:14:00.005+02:00

What are Bilbao and Pabilioia photographic series about?
They are the result of a documenting process that took place, on a yearly basis, from 2002 to 2007. It is the documentation process of the building up of makeshift open air bars, txoznas, for the summer fiesta (Bilbao), and the preparation of the parade for the carnival festivities (Pabilioia), both in Bilbao. In both cases, the subject of these activities is a collective entity called comparsa, a constituted group of individuals, often with a previous common interest, which takes part in the organisation and dynamisation of the popular celebrations.
The carnivalesque, transgressive time of exception that takes place in the streets of towns and cities in Spain is a tradition that was almost totally erased, in its whole popular dimension, during the morally strict dictatorship years. It is in the transitional lapse of political enthusiasm that built up in the late seventies that the emancipatory aspect of these festivities is reclaimed in a context where it was necessarily influenced by political, often radical, representations. In this case, the basque context built a whole secular ritual around fiesta and political claim of the streets, of which the history of the Bilbao case is the most paradigmatic. As a response to the stiff, unpopular festivities associated with the bullfighting calendar that marked the Bilbao festivity during francoism, local institutions understood the need, in 1979, for a renewal of the Semana Grande in which social movements, neighborhood associations and political actors would propose a model for the fiesta. The proposal that gained consensus was a creative model of collective participation and self organisation designed by some of the most radically leftist social agents of the city at that time. The central figure of this self organisation of the party space was the comparsa, collectives founded specifically for the participation and dynamisation of the fiesta, which gathered around preexistent points of convergence, from neighborhood associations, to political groups of different ideologies. The model has subsequently gone through a steady process of normalisation in which a fragile balance between an official, organised aspect of the event and its original spontaneously popular and political side of it have to be constantly negotiated.

How would you describe your working method?

A constant motif in my work has been the identification and isolation of the symbolic codes and signs around which collective identity configures itself. The group that acquires its self-conscious definition, its form, through the very actions and codes it employs. It has been a way to insist on an awareness of how the signifier, in its material condition, configures the very content of these identities, operating with the excess inherent to its logic of enjoyment and desire.The case of the specific codes of the fiesta and the carnival as transitory spaces of transgression, in the shaping of the collectives, was double in this case: It refers, fundamentally, to the shaping of the collective subject of the group, the comparsa, built around its actions and rituals (the bricolage set at work in the building of the bars being the epitome of this notion of action). But it also refers to a broather sense of collective identification with a cultural behaviour, which is made to coincide, ideologically, with a more essentialist, totalising notion of cultural identity: that of the basque nationalist project. The series are part of my ongoing project of analysis of these signs with the intention of problematising these ideological givens. Another factor that has been important throughout my practice and which is implied here alludes to the very nature of the documentary itself. The ideologically determined assumption that it is in the veracity and pedagogic quality of documentary where political representation becomes more plausible and pertinent. The problem of realism and political efficacy. In this case, a very formal approach to the actions represented, and an unsettling ambiguity as to what exactly is the nature of the practices documented, would intend to problematize the status of documentary in its ideological dimension.

Interview with Yann Chateigné Tytelman, August 2009

Accumulating: Shoe tossing

2009-08-27T14:31:00.010+02:00

More info on:

http://en.wikipedia.org/wiki/Shoe_tossing

Recycling: Kim Adams' research photographs

2009-07-29T16:28:00.013+02:00

Un millier d’images. C’est ce qu’a accumulé l’artiste canadien Kim Adams depuis les années 1970 au gré de ses pérégrinations. Cette recherche photographique qui nourrit le travail de sculpture de l’artiste, présente toutes sortes de créations humaines : des accumulations d’épaves, des abris improvisés à partir d’éléments de récupération, des voitures customisées, des magasins sur roues, des caravanes intégrées dans des habitations… Nées d’une tradition de la mobilité particulièrement forte au Nord de l’Amérique, elles célèbrent l’habilité des êtres à transformer leur environnement en fonction des contingences. Une esthétique de la customisation post-industrielle, à la fois ingénieuse et parfois délirante.

Celebrating : Wonderland in Limassol, Cyprus

2009-07-29T14:14:00.009+02:00

Christodoulos Panayiotou, Wonderland, 2008. 80 color slides, realized with the collaboration of the Municipal Archives of the City of Limassol, Cyprus.

“(...) I have never participated in the carnival's organized activities, nor have I ever joined in the parade. I never understood the motive nor did I feel the festive impulse that many carnival participants can describe so comfortably. To be honest, I have never believed in it because I have never quite seen this impulse realized, especially in the parade, which was the focus of my last work. My own observations and my research in the related photographic archives have made something evident: in the past few years, the preparations for the carnival have become a kind of imposed and somehow covered up melancholy. This feeling becomes, I think, even more intense in the children. It might be a projection, but I get the impression that the carnival parades of Limassol have acquired the rehearsed character of our own archaeology. The parade is a kind of revelation of everything we would like to be, of everything we know we cannot be, and of everything we cannot afford to accept that we are.”

Extract from a conversation between Christodoulos Panayiotou and Nicos Charalambidis published in Art Papers Magazine.

Wonder Land is the outcome of extensive research in the historical archives of the city of Limassol pointing out the “obsession” of limassolians to disguise into Disney's characters during the annual carnival parade. The work covers the period from the late 70s up to present and renegotiates the historic and political narrative of this important social event.

Christodoulos Panayiotou's website
Christodoulos Panayitou's blog

Recycling: Ball-Nogues' canopies

2009-07-24T10:20:00.012+02:00

Copper Droop Scape, Coachella Music and Arts Festival, 2008

Liquid Sky, PS1, Long Island City, NY, 2007

Skin + Bones, Paralell Practices in Fashion and Architecture, MOCA, Los Angeles, 2006

"Ball-Nogues Studio is an integrated design and fabrication practice that creates experimental built environments to enhance and celebrate the potential for social interaction through sensation, spectacle and physical engagement while striving to infuse the matter of the built environment with a downstream purpose. To achieve these results, we work with unusual materials, develop new digital tools, and apply architectural techniques in unorthodox ways. We share an enthusiasm for the fabrication process as it relates to the built object both physically and poetically by letting the properties, limitations, and economic scenarios associated with a material guide a structure’s ultimate form while developing methods to extend the intertwined boundaries of a material’s aesthetics, physical potential and lifecycle.
We seek opportunities to build that are outside the treacherous restraints of the conventional architectural milieu so that we may more tightly focus our energies on research and practice that directly addresses the experiential realm of the physically constructed world and the transition of material from an architecturally scaled structure through its dismantling and beyond. Our design process is a carefully orchestrated collaboration between partners – one focused on digital development, the other using a hands-on approach to fabrication research. Scale models, computer models, and full scale mock-ups inform one another in a cycle of feedback so we may study all aspects of a design at various scales and through various media. While this approach is not a new development in the field of architecture we feel that it is essential given the rapid evolution of computer modeling techniques, CNC fabrication capabilities and exciting material discoveries. We do not seek to distance ourselves from the built environment through the use of digital tools…rather we seek to master their use, reinterpret their capabilities and adapt or modify them to suit our intentions."

http://www.ball-nogues.com/

Recycling: Büro Detours, Operaen, Arhus, 2008

2009-07-23T23:15:00.021+02:00

http://www.detours.biz/

Collecting: J. Deller & A. Kane's Folk Archive

2009-07-23T15:02:00.020+02:00

" Joseph Grimaldi Egg", The Clowns Gallery, Dalston, London.

"Tractor Painting on Van", Delabole, Cornwall, 2002.

"Skull Crash Helmet", 2000, by Stuart (Sam) Hughes of Bikeart, Charlton, London.

"Cigarette Funeral Wreath", by Andy McCaren / Kent News and Pictures or KNP.

"Snowdrop the Mechanical Elephant", 2004, The Clare Family, Egremont, Cumbria.

"St John’s Ambulance Pin Cushion", Yorkshire 1999, by Rachel Williams.

"From our two small collections of modest objects and pictures and an ensuing conversation about the Millenium Dome’s corporate representation of the UK, the question arose for us as to what might constitute present day folk art. Some seven years later, Folk Archive is our response to this question and our celebration of the creative life of Britain.

[...]."

Jeremy Deller and Alan Kane, Preface to Folk Archive, Book Works London, 2005.

Marjetica Potrc: building strategies

2009-07-17T09:57:00.010+02:00

Tirana House
Building materials; energy, communications, and water-supply infrastructure, 2009New CitizenshipsLingen Kunstalle, Lingen, Germany
Tirana House is a case study of a family house in present-day Tirana, Albania. After the political changes of the 1990s, the Tirana cityscape exploded. A new city built by the citizens themselves celebrates a multiplicity of personal architectural styles, astonishing constructions, and richly decorated facades. Here, patterns turn the facades into a living surface, the skin and shield of the building. As former Mayor Edi Rama said: 'Facades are not like a dress or lipstick. They are organs.' Patterns and numerous staircases merge in an Escher-like landscape, expressing the many voices that make a new democracy. In a city in transition, the building facades give visual expression to the construction of a new social contract, a new citizenship.

New Orleans: Shotgun House with Rainwater-Harvesting Tank
Building materials, energy, communications and water-supply infrastructure, 2008Future Talk: The Great Republic of New Orleans. Max Protetch Gallery, New YorkHeartland, Van Abbemuseum, Eindhoven, 2008
Shotgun House with Rainwater-Harvesting Tank points to two recent trends in New Orleans: the revival of the local architectural style known as the Shotgun House, and the move toward self-sustainability. Both are post-Katrina developments and correspond with the deconstruction of modernist architecture and the search for a new, 21st-century social contract for democracy. Local harvesting of energy resources points to the emergence of new environmental and, consequently, political boundaries. The two caryatids serve as reminders that New Orleans is being rebuilt by its citizens.

Prishtina House
Building materials, energy and communication infrastructure, 2006Marjetica Potrc and Tomas Saraceno: Personal States / Infinite Actives Portikus, Frankfurt/Main, GermanyThis Place is My Place - begehrte Orte, Kustverien in Hamburg, Hamburg, 2007
Prishtina House is a case study of a house in the Peyton Place neighborhood of Prishtina. It is an example of personal orientalism. After the collapse of modernism, the citizens of Prishtina began building their houses in a wide range of styles, each expressing the taste of the owner. Here personal style is accentuated to the level of kitsch. In Prishtina, the citizens have become the smallest state. Personal styles are the expression of a fragmented society. Self-sustainability is also an issue, since citizens have to rely on their own resources: a generator powers the streetlight.

Caracas: Growing House
Building materials and energy infrastructure, 2003'GNS', Palais de Tokyo, Paris
In Caracas, half of the city's population resides in the informal city in structures that are perceived as rural, not urban architecture. Called 'growing houses,' nearly every barrio dwelling has iron wires sprouting from its rooftop, as if proclaiming the vitality of the place. Anything may be recycled as building material for these houses.

http://www.potrc.org/

Accumulating: Francis Alÿs

2009-07-15T17:36:00.017+02:00

La Havane, mai 1994. Pendant la 5ème Biennale de La Havane, Francis Alÿs (né à Antwerp, Belgique, vit et travaille entre Mexico et Londres) met ses chaussures magnétiques et se promène chaque jour dans les rues en collectant la ferraille qu'il rencontre sur son chemin.
Sifflement: Louise
Mélodie: Denis

Voir aussi When Faith Moves Mountains, un projet pour Geological Displacement de Francis Alÿs en collaboration avec Rafael Ortega et Cuauhtémoc Medina. Le 11 avril 2002, 500 volontiers ont été appelé pour former une ligne pour bouger une dune de sable qui se trouvait proche de la ville de Lima. En avançant, le peigne humain poussait une certaine quantité de sables avec des pelles, pour bouger la dune de sa position originale. Le déplacement réel de la dune était de proportion infinitésimale, mais pas sa résonance métaphorique.

En ce moment à la National Portrait Gallery, Londres: Fabiola. Il s'agit d'une installation d'une centaine de portraits représentant une sainte chrétienne du 4ème siècle, Sainte Fabiola. Les portraits (peintures, broderies et miniatures) sont tous des versions du même tableau du 19ème siècle (de Henner) et ils ont été collectés par Francis Alÿs dans les marchés aux puces, brocantes et collections privées.

Pour en savoir plus: Lynne Cooke, Francis Alÿs, Fabiola - An Investigation, 1994. (en anglais)

Merci à Christophe Kihm pour la vidéo.

Spacecraft

2009-07-15T17:22:00.016+02:00

The design community’s preoccupation with space and building beyond the limits of classical architecture is more fascinating than ever before. The series of books Spacecraft present projects that meet the changing spatial needs of our modern lifestyles and that are simultaneously expanding our current understanding of architecture. These books showcase international projects by architects, artists and designers all distinguished by the unconventional use and creation of space.

Spacecraft feature modular ephemeral structures that exist only for a limited time, such as pavilions, art projects and exhibition spaces. They exemplify innovative interventions often found in public spaces and urban environments. It also presents projects that deal with the transient use of space such as studios, mobile habitats and pop-up stores that either adapt to their surrounding environments or are strikingly conspicuous.

Spacecraft 2 More Fleeting Architecture and Hideouts

Release: February 2009 - ISBN: 978-3-89955-233-1

Spacecraft Fleeting Architecture and Hideouts

Release: September 2007 - ISBN: 978-3-89955-192-1

Editors: R. Klanten, L. Feireiss

Publisher: Die Gestalten Verlag

Kastello. Palaces of the Roma in Romania

2009-07-15T10:57:00.014+02:00

Kastello. Palaces of the Roma in Romania presents an architectural phenomenon taking place in Romania especially, within a marginal culture. The book intends to analyze this cultural phenomenon, typical of the Roma community, from several perspectives, in order to obtain a larger picture of a surprising style, that has the potential to evolve into a form of architecture. The photos are accompanied by comments made by architecture critics, sociologists, anthropologists and by several members of the Roma community. The purpose is to present aspects of the community's daily life, mirrored by their architectural expression.

Published by igloo Media, 2008

http://www.igloo.ro/en/collections/22/

http://www.rozylowicz.com/retirement/kastellos/kastellos.html

Celebrating : Sainte-Foy Tycoon

2009-07-09T20:40:00.008+02:00

String figures for learning hands

2009-07-09T19:44:00.019+02:00

Picture from the cover of the Bulletin of
The International String Figure Association, Volume 1 (1994)

James R. Murphy aka Black Fox, fig. Two Bears (a. 1986)
© Jeff Wang

String figures are designs formed from nothing more than a loop of string. Most of the time, people use their fingers to weave string figures, but sometimes, they also use their toes, knees, elbows, and mouth. String figures were once known to nearly all native inhabitants of East Asia, Australia, Africa, the Arctic, the Americas, and the Pacific Islands. Their function varied from place to place. In some locations, string figures provided a much needed artistic outlet - competitions were held to see who could make the most interesting design. In other locations, string figures were used by tribal storytellers to illustrate their tales. Elsewhere, string figures served as good luck charms to help ensure a bountiful harvest or a successful hunt. The number of possible designs is virtually limitless. Instructions for making over two thousand traditional patterns have been published since 1888, when anthropologist Franz Boas first described how to make an Eskimo string figure. In 1906, Caroline Furness Jayne writes : "In the finished patterns we find, among all races, representations of men and women, parts of the body, articles of dress, of commerce, and of warfare; and of stars, and natural phenomena - such as storms, darkness, and lightning." (1)

James R. Murphy © Robin Moore

James R. Murphy, fig. Four Weave Ten Men (a. 1986)
© Jeff Wang

Learning hands, The Black Fox Gift of Strings, by James R. Murphy, 1990

James R. Murphy writes: "I was a math teacher and I began to teach string figures as a way to reach students who din't "like" math. It was a great deal of fun for the students to "goof off" in class and make interesting designs. What they didn't count on was that it took dedicated effort and practice to become proficient at making figures. It took a focussed exactitude in performing a series of complex steps. This is exactly what it takes to become proficient at math and science. But the bottom line was that they truly enjoyed the experience and they all, repeat all, succeeded beyond their wildest dreams."

James R. Murphy's students at La Guardia, NYC
© Robin Moore

"I worked in a special school for minority sixth graders called prep for prep. They came from public schools all over New York City. This was a school which met all day saturday during their sixth grade year, and all one summer. The students were then placed in prestigious private schools in the city. It was a privilege for me to teach science (and a little string figures) to these gifted young men and women."

James R. Murphy's called prep for prep, NYC, a. 1997

Children learn string figures at Harrison School in Davenport, (Michigan, 2009

Sources :
The Museum of Jurassic Technology, exhibition: "Fairly Safely Venture: Cat's Cradles and their Venerable Collectors." : www.mjt.org
The International String Figure Association : www.isfa.org
James R. Murphy's web site : www.torusflex.com

(1) Caroline Furness Jayne, in String Figures and How to Make Them: A Study of Cat's Cradle in Many Lands, Dover Publications reprint, 1906

Collecting #2: DJ Shadow: King of Digging

2009-07-08T21:27:00.014+02:00

Directed by Doug Pray, Scratch traces the birth of “turntablism” and documents the ongoing history of today’s hip hop movement. Here, DJ Shadow guides us in his "little nirvana", a labyrintic basement of a record shop full of stacks of vinyls, seeking for forgotten sounds in this incredible archive of music culture. "I guess the people who digg don't stop digging because it's part of who we are." says DJ Shadow. So believe him when he says: "As a DJ, I take the art of digging seriously." He's probably there again right now.

Thanks to Christophe Kihm.

DIY #1 : John Cage joue "Water Walk" dans "I've Got A Secret"

2009-07-06T22:11:00.006+02:00

Dans cette vidéo, John Cage apparaît dans la très populaire émission de télévision I’ve Got A Secret, créée en 1952.

Le principe de ce jeu télévisé consiste en le fait d’inviter deux participants par émission, parfois en présence d’une star invitée. Chaque joueur est convié à faire deviner au public son « secret », après l’avoir chuchoté à l’oreille de l’animateur, alors qu’apparaît à destination des spectateurs télévisuels, en surimpression sur l’écran, la description du fameux « secret ». Le public est invité à deviner ce « secret », soit grâce ses propres questions, soit grâce à celles de l’animateur. Après quelques minutes, le joueur fait, dans la mesure du possible, la démonstration de ce « secret ».

John Cage, qui enseigne alors la Composition Expérimentale à la New School de NYC, annonce son secret : « I’m going to perform one of my musical composition… / The instruments I will use are : / a Water Pitcher / an Iron Pïpe, a Goose Call / a Bottle of Wine / an Electric Mixer / a Whistle / a Sprinkling Can / Ice Cubes / 2 Cimbals / a Mechanical Fish / a Quail Call / a Rubber Duck / a Tape Recorder / A Vase of Roses / a Selzer Siphon / 5 Radios / a Bathtub / and A GRAND PIANO. »

L’animateur, qui présente Cage comme « l’une des figures artistiques les plus controversées de son temps », propose alors de passer outre le jeu des questions-réponses et de lui offrir un instant télévisuel libre pour faire la « démonstration » de son travail de composition qu’il qualifie par erreur de « son expérimental ». Cage rectifie immédiatement en précisant : « musique expérimentale », avant de donner sa propre définition de la musique, réalisée à partir de « sons » produits par une série d’objets usuels – dont il va faire découvrir la musicalité au travers d’un interprétation de la pièce Water Walk.
Suit alors un magnifique manifeste de Cage sur la place du spectateur. L’animateur prévient : « peut-être que quelques auditeurs ne pourront supporter votre musique… Peut-être que certains riront même de vous ». Et Cage de répliquer : « Pour moi, les rires sont comparables aux larmes ».

Merci à Christophe Kihm et Elie During pour nous avoir communiqué ce document. Initialement publié sur le blog de WFMU.

The Crochet Corail Reef and Hyperbolic Space

2009-07-03T18:02:00.009+02:00

"Crochet Coral and Anemone Garden" with sea slug by Marianne Midelburg.
Photos © The IFF by Alyssa Gorelick.

The Institute For Figuring is crocheting a coral reef: a woolly celebration of the intersection of higher geometry and feminine handicraft, and a testimony to the disappearing wonders of the marine world. Created and curated by IFF directors: Christine Wertheim and Margaret Wertheim.

One of the acknowledged wonders of the natural world, the Great Barrier Reef stretches along the coast of Queensland like a psychadelic serpent, a riotous profusion of color and form unparalleled on our planet. But global warming and pollutants so threaten this fragile monster that scientists now believe the reef will be devastated in coming years. As a homage to the Great One, IFF directors Margaret and Christine Wertheim instigated a project to crochet a woolen reef. The sisters, who grew up in Queensand, have been spearheading the project since 2005, quiety watching as it has morphed into an unexpected and far-reaching wordwide movement.
The Reef begins with the technique of hyperbolic crochet discovered by mathematician Dr. Daina Taimina, which the Institute has taken up and elaborated into a polyphony of organismal crochet procedures, bringing into being in a wide taxonomy of reef-life forms. Loopy "kelps", fringed "anemones", and curlicued "corals" have all been modeled. While the process that brings these models into being is algorithmic, endless permutations of the underlying formulae result in a constantly surprising panoply of shapes. The quality of yarn, style of stitch, and tightness of the crochet all affect the finished forms so that each is as individual as a living organism. As a whole, the Crochet Reef is made up of many different “sub-reefs,” each with its own colors and styling: these include the Bleached Reef, the Beaded Reef, the Branched Anemone Garden, and our largest work, The Ladies’ Silurian Atoll, a ring-shaped installation with close to 1000 individual crochet pieces made by dozens of contributors around the world. In addition to these woolen reefs is the massive Toxic Reef crocheted from yarn and plastic trash - a part of the project that responds to the escalating problem of plastic trash that is innundating our oceans and choking marine life.

Large scale anemone with brain coral head by Margaret Wertheim.

The Bleached Reef (detail) featuring red and white sea slug by Marianne Midelburg,
blue rock-coral by Nancy Lewis, white spires by Evelyn Hardin,
bleached dodecahedron by Lily Chin,
vintage plastic doillies by makers unknown, and miniature beaded corals by Nadia Severns.
Photos © The IFF, by Margaret Wertheim.

Flourescent coral garden by Ildiko Szabo

Ildiko Szabo's models are among the stars of the UK Reef which was constructed during 2008 and exhibited alongside the IFF's Reefs. For this exhibition Ildiko expanded the repertoire of spiralized forms she's been developing. Seen above are several of these forms fringed with fluorescent down. In this case they are wondrously evocative of anemones with delicate feeding tentacles scanning the water for food. The anemones are surrounded by a cluster of other Ildiko sea creatures - a veritable taxonomy of marine marvels.

A mathematically precise model of a hyperbolic pane by Dr. Diana Taimina.

The Crochet Reef Project was inspired by the technique of hyperbolic crochet originally developed by Dr Daina Taimina, a mathematician at Cornell. In 1997 Dr Taimina discovered how to make models of the geometry known as "hyperbolic space" using the art of crochet. Until that time many mathematicians believed it was impossible to construct physical models of hyperbolic forms; yet nature had been doing just that for hundreds of millions of years. It turns out that many marine organisms embody hyperbolic geometry in their anatomies - among them kelps, corals, sponges, sea slugs and nudibranchs. Thus the Crochet Reef not only looks like a coral reef, it draws on the same underlying geometry endemic in the oceanic realm.

Richard Greaves' anarchitecture

2009-07-03T14:45:00.015+02:00

Depuis 1989, Richard Greaves se consacre à l'élaboration d'un vaste environnement architectural situé en forêt en Beauce (Québec), sur un terrain acquis avec des amis dans les années quatre-vingt, et où il a élu domicile. L'œuvre, en constante expansion, est composée de sculptures faites d'une multitude d'objets glanés au rebut, et de constructions — une vingtaine de cabanes et d'abris — réalisées à partir de granges abandonnées qu'il a démembrées et rapatriées sur son site. Célébrant l'absence d'angles droits et les principes d'asymétrie, les « anarchitectures » érigées par Richard Greaves semblent au bord de l'effondrement, défiant les lois de la pesanteur.

Crédits photos : Mario Del Curto

Collecting #1: Forrest J. Ackerman's Ackermansion

2009-07-02T19:36:00.006+02:00

Beginning in 1958, Forrest J. Ackerman (born 1916, died 2008), was editor of Famous Monsters of Filmland for 190 issues. Open by appointment for almost half a century, the ‘Akermanuseum’ houses some 300.000 horror, sci-fi and special effect items.

Mike Kelley on Forrest J. Ackerman's collection :
“Forrest J. Ackerman former editor of Famous Monsters of Filmland magazine, has created the largest existing collection of horror and fantasy film special effects objects, which are displayed in his home in the Hollywood Hills. Touring it is like walking through a morgue. Everywhere there are recognizable fragments of Hollywood film reality. But, unlike a normal museum where things are organized in a seemingly logical way, his collection is arranged like a child’s bedroom – things are pilled everywhere in a cacophony of film history. In one corner there is a rubber cast of Jame Fonda’s breasts used in the filming of Barbarella (1968) and a wall of life masks of actors (including those of Bela Lugosi and Vincent Price). In another, a faux black panther head from The Most Dangerous Game (1932), the head of an extraterrestrial from Close Encounters of the Third Kind (1977), and various others claws, body parts and models from films long forgotten. On a shelf is a small clay animation figure by Ray Harryhausen, experienced on the movie screen as a gigantic monster. Upstairs, in the living room, is a one-eyed blob from an episode of the science fiction television series Outer Limits. This prop is close to five feet high, yet I remember it as almost microscopic on the TV show. You realize that to experience the projected figures on the movie theater screen as life-size involves the reduction of your own body to the size of a doll; while with television, conversely, you must mentally blow yourself up to the size of a giant to account for the minuscule scale of the figures on the small screen. All of this hit home when I was confronted with Akerman’s collection of objects never meant to be seen in the light of day but only under the magic lantern of film-induced day dreams. Refusing to give up their dream-like reality, his ‘statues” keep me detoured outside of consciousness. Thjey were too familiar as intensely felt simply to become objects.”
From : Mike Kelley, “Playing with Dead Things”, The Uncanny, Verlag der Buchandlung Walther König, Cologne, Tate Liverpool, (1993) 2004, p. 28

From Mihnea Mircan

2009-06-30T11:56:00.017+02:00

In response to your invitation to be a "correspondant" of the project Insiders, I decided to contribute 4 images. All of them I have retrieved from various media sources over the past year. There are two pairs, and they all revolve around questions of architecture and individual inscription in the city. I hope you will agree this is one way of visualizing folkloric space.

[1] [2]

[3]
[4]

The 1st shows the 'architecture park' in China where replica of worldwide monuments have been built, the 2nd shows a scene following the Sichuan earthquake, the 3rd shows portraits of people killed in drug-related conflicts in a favela, while the 4th deserves a lengthier explanation. The company Maggi makes soups, when you buy the soup you get a small red heart-shaped sticker that you need to apply on your window. People from Maggi might pass your street and notice the sticker - in this case your loyalty is rewarded with a coffee maker for instance. The people from the favela needed to paint a huge sign to get their coffee maker, because central Caracas is so far away from the favela itself, hope all this makes sense.

Mihnea Mircan

Stay in groups

2009-06-21T16:37:00.006+02:00

There is not a lot going for the group. Group mentality is often carelessly discussed with examples of individuals being coerced into adopting a religious orientation (brainwashed by a sect) or identifying with oppressive mass social movements such as Nazism. Many films have made negative examples of being-in-a-group: Lord of the Flies, Peter Brook’s film based on William Golding’s novel, is about a group of pubescent boys who become naturally self-centred and violent after being marooned on desert island; The Wicker Man, the 1973 British cult classic, where a police officer with empirical methods is drawn into a plot by the inhabitants of a small island who follow a Celtic paganism which leads to his sacrificial death; or The Beach where a group attempting to live in removed harmonious surroundings explodes because of individual members’ selfish needs. The Manson family often comes up as an example of an unsupervised group gone psychotic. And in the 90s in Waco, Texas, 76 members of the Branch Davidian sect, led by David Koresh, died during a siege with the FBI. Jonestown and Heaven’s Gate group suicides…. These stories have a familiar plot — group lead by one controlling maniac who manipulates other members into committing bad acts, or a shared instinct is triggered in the group that they collectively cannot resist. Yet according to Thomas Hobbes, whose thinking underlies all the so-called constructive fear in our society, we are actually choosing to behave in this way.

Although he is undoubtedly acting under compulsion his action is nevertheless the product of his will and must therefore be classified as 'altogether voluntary'.
Thomas Hobbes The Elements of Law Natural and Politic

The late 20th and very early 21st centuries could be characterised by the rise of the free individual. The thrall of the internet, pornography on demand, SecondLife, the desire to be an Alpha type, and particularly the need for private property and wealth have been activities best sought alone rather than in a group. Ideally, we function as individual consumers in an unmediated relation with suppliers, without the encumbrance of others. For a long time commercial aspect of the art world couldn’t deal with groups because of the ambiguity of authorship. And the artist as star celebrity (art stars, YBA, big prices for Chinese art) confirmed an elite artist very near to the patronage of individuals who make things happen.
Scene & Herd, the diary pages of Art Forum, celebrates high achievers milling around at openings, the hippie movement , which is usually celebrated as being ‘over before it happened’ has provided us with the ‘rebel consumer’ against the alternative of the group.

No need to be great

The drive to strive towards being one of those great artists obviously seduces a lot of younger artists. Tracy Emin, Maurizo Cattelan and Pierre Huyghe made it, but I often think that for Cattelan when he got there there was not really any there there. After a while he formed a group with Max Gioni and Ali Subotnick in order to work with other artists, even indirectly through Wrong Gallery in New York and curating the Berlin biennale.

I often wonder why there are so many artists now. I used to think that people were drawn to the idea of being an artist to create a platform from which to speak. If you become an accountant or a property developer you don’t put yourself in a position to comment. But looking at the younger generation of Australian artists for example, these possible speakers have directed themselves into the production of domestic scale, finely crafted, art works. Not much speakie going on there.

Working alone in your studio, having one solo show every one and a half or two years and waiting for someone to tell you they liked your show can be a pretty unrewarding experience. Working with another person means you have company and someone to think through ideas with. It’s easy to be afraid of being-in-a-group, of being lost in the group, but in fact we are always in groups; a group of friends, a sub-culture, a group of citizens, a group of loners etc. So maybe the idea of the individual is a myth, a marketing strategy. We don’t usually live without others and we are drawn to be in pre-existing groups together. For us as artists, working in a group, it therefore becomes important to look to models that include fragmentation yet find common desires and include conflict as a positive way to arrive at the emancipatory potential of collaboration.

A Constructed World
Paris, April 2009

Tall Tales and Short Stories

2009-06-16T00:22:00.001+02:00

Le travail multiple de Tris Vonna Michell (1982, UK) inclut une série de performances qui fonctionnent comme autant de chapitres, de mises en scène non-linéaires d’une histoire puisant aux sources anciennes du storytelling. Incarnées au sein d’installations créées par ses soins, elles se développent, se mêlent et s’entrecroisent, associant projections, textes et objets à la manière d’accessoires de théâtre. Lors de ces actions, le public est physiquement et mentalement impliqué dans une relation avec le corps, la parole de l’artiste qui le guident dans un voyage oral, récit incarné aux frontières de la réalité et de la fiction.

Son phrasé rapide combine et intervertit les mots et les phrases pour faire perdre ses repères au spectateur, aux lisières de l’abstraction. Son usage du son produit une relation complexe entre parole et langage, ordre et chaos, illusion et désillusion, comme une manière de structurer continûment l’œuvre à partir de ces improvisation contrôlées à partir d’un script initial, de cette spontanéité, cette magie toujours préservée comme le véritable cœur de l’action. A la manière d’un conteur, il travaille ainsi sous l’influence des conditions dans lequelles la performance est donnée, faisant émerger sans cesse de nouvelles histoires, de nouvelles images et de nouvelles associations. Ses expérimentations vocales ont alors tout autant à voir avec la langue inventée de Kurt Schwitters, les spoken words d’Allen Ginsberg et de William S. Burroughs que les mises en scènes des MCs de la culture Hip Hop.

La nostalgie à l’œuvre dans la pratique de Tris Vonna Michell est liée à la disparition contemporaine de la figure même du conteur narrant par la tradition orale un répertoire d’histoires partagé. Dans un texte récent (voir The Flesh n°2), Caroline Soyez-Petithomme travaille à partir d’entretiens glanés avec l’artiste, qui exprime clairement ce rapport singulier à un passé perdu : « La figure du conteur est un archaïsme, un type social qui, du fait des transformations technologiques, a perdu sa fonction d’alphabétisation. Elle a été reléguée aux marges de la modernité, où elle survit comme une relique de l’imagination, comme un archétype nostalgique, un spécimen anthropologique, en apparence mort ».

Or, comme le rappelle l’auteur, TVM est originaire de Rochford dans l’Essex, au sud du Royaume-Uni, région qui accueille chaque année des festivals de storytelling, tradition populaire impliquant une relation directeme avec les écoles et autres espaces publics. Par ailleurs, TVM associe cette histoire à une autre, plus personnelle, qui lie son père, Erik, poète sonore, à l’artiste Henri Chopin : « Erik est mon père, il avait une collection importante d’enregistrements audio et de disques, et il expérimentait dans le domaine de la composition sonore ou expérimentale avant ma naissance. Je voulais boucler la boucle de ce projet particulier, lequel a dérivé de chapitre en chapitre/ou d’une œuvre à l’autre sur une période de trois ans : Finding Chopin : In Search of Holy Quail, Down the Rabbit-Hole, Act 7 : The Trial. Ces trois œuvres ont toutes été développées à partir d’enregistrements indéfinissables et de compositions que mon père a créés. J’étais conscient de cela, mais je voulais créer une stratégie parallèle d’enquête autobiographique. Je lui ai demandé de sélectionner une œuvre de ses archives, qui pouvait avoir une relation avec ma poursuite. Coïncidence ou pas, il a choisi cette pièce qui date de mon année de naissance ».

A l’occasion d’une exposition au centre d’art Witte de With à Rotterdam, l’artiste nomade TVM met au jour dans son travail les recherches qui l’ont a mené entre autres à England’s Lake District, région ou vécurent tous deux Schwitters et Chopin. En résulte une série de performances et une édition sous la forme d’un disque vinyle, magnifiquement intitulé Tall Tales and Short Stories.

Tris Vonna Michell Tall Tales and Short Stories

Henri Chopin La civilisation du papier

Magazine The Flesh

Inuit graffitis on ice, from Joseph Marzolla

2009-06-12T09:49:00.006+02:00

This one says : "Hi Tsorpa, I love you. Paarnaq."

Benefits of Laughter Yoga with John Cleese

2009-06-09T12:25:00.012+02:00

According to John Cleese, former member of Monty Python, « laughting is a force of democraty ». So he reports on a new kind of yoga : Laughter Yoga, lead by Dr. Madan Kataria from Mumbai, founder of the worldwide Laughter Yoga movement in 1995. Dr. Madan Kataria says : “When a group of individuals laugh together, they create a collective community aura.” He proposes his trainings to many different groups and communities worldwilde : old women, school children or physically and mentale challenged children, prisonners and their guards... Laughter Yoga appears to be an optimistic adaptation from traditional yoga to our days.

Usurpation/Folklore

2009-06-09T11:15:00.006+02:00

Le Corbusier : "Usurpation/Folklore", in L'Esprit nouveau, n°21, 1924
republié dans Beatriz Colomina, La publicité du privé. De Loos à Le Corbusier, Editions HYX, 1998 (1994)

Le Corbusier : « Devant la tâche immense de tout à reconstruire, on est allé à sa panoplie décrocher sa flûte de Pan, et on en joue, on en joue, dans les comités et dans les commissions. Puis on vote des résolutions. Celle-ci par exemple, qui mérite d’être citée : de faire pression sur la Compagnie des Chemins de fer du Nord pour l’obliger à construire sur la ligne Paris Dieppe, trente stations de style différents, parce que les trente stations que les express brûlent ont chacune une colline et tel pommier qui sont bien à elle et que son caractère, son âme etc. Fatale flûte de Pan ! Ce n'est pas dégoûtant ?»

Une proposition de Samuel Vermeil : « Voilà une image de chimpanzés pour se moquer d'une architecture régionaliste et folklorique qui singerait des formes oubliées, anachroniques. Ce n'est pas dégoûtant, mais c'est amusant de voir les tenants du modernisme historique utiliser ce genre d'images. »

An example of vernacular architecture in Aquitaine

2009-06-02T22:52:00.013+02:00

The "palombière" is a traditional construction made in the region Aquitaine since the Middle-Ages. Used for the hunt of ringdoves ("palombes") while they are migrating, their architecture is conceived as camouflage to hide hunters. They can be constructed either as towers or on the ground. There are about 1000 "palombières" left today.

If most of them are rudimentary, few can be quite refined, furnished with commodities and technological equipments, like beautiful little second homes.

The University of Bordeaux did a very interesting website about regional shacks, which includes the "palombières" as well other weird specimens :
http://cabanes.u-bordeaux3.fr/index.php?ob=evolution&cab=palombiere1

The exhibition

2009-06-02T16:44:00.011+02:00

Insiders - practices, customs, know-how
09.10.2009 – 07.02.2010

As part of Evento, the artistic and urban rendez-vous of Bordeaux, arc en rêve architecture center and the CAPC contemporary art museum have worked together to produce the exhibition Insiders.

In the face of a new global culture ridden with social and economical crises, new forms of solidarity have arisen in the light of ecological awareness and a new found faith in politics.
They allow for the affirmation of new systems of organization and trade founded on cooperation and the open sharing of knowledge.

Insiders bears witness to a new way of looking at different customs and know-how emanating from singular cultures and territories. The modernization and modes of transmission of this popular knowledge ― or folk-lore ― operates within a global system and inside of local contexts. They highlight the complexity of identities shaped by the appropriations, transformations and combinations without witch such contemporary singularities would not emerge.

This two-fold exhibition, devised as an archipelago of artistic and architectural proposals, combines and assembles a series of recent works, projects, works-in-progress and commissions.

Practices, customs, know-how

In terms of artistic practices, the project’s general method is founded on the principle of collection. It emulates the customs of the first folklorists, from the 19th century onwards, who studied areas by making observations and inventories. This modus operandi shared by artistic, anthropological and museographic practices consists of selecting, assembling, collecting, comparing, isolating and preserving the “units” within a whole that appropriately reflect the customs of a society.

In order to broaden this field of inquiry, numerous correspondents – participating observers located in different parts of the world – have been invited to share information about their specific situations. Sets of objects, new works, accounts of “minor histories” and spontaneous archives: all of these proposals are based on the practice of collecting. The exhibition refuses to submit to a panoramic gaze, attempting a more heterogeneous form, similar to a ‘polyphonic’ narrative.

The architectural and urban perspectives are ideally positioned to observe the adjustments and conversions of current economic, environmental and social issues. Its approach is based on a contemporary set of procedures and projects that delineates new territories, forms, symbols and relationships by continually re-actualizing the value of proximity. Its alternative methodologies elaborate new outlooks that blur the established boundaries between professional and amateur practices.

On a local scale and within networks, these acts of appropriation operate as innovative forces, inventing territories and initiating real and virtual situations. They offer the chance to rehabilitate the original folk lores and to develop a fundamental globalization of shared, dynamic affinities.

How does architectural and urban creation anticipate these new conditions? How do architects, urban planners and landscape architects base their work on these new relationships with the world ― with culture, aesthetics, techniques, history and economics ― in order to put alternative strategies in place and invent new models?

------------------------------------------------

Insiders - pratiques, usages, savoir-faire
09.10.2009 – 07.02.2010

Dans le cadre d’Evento, le rendez-vous artistique et urbain de Bordeaux, s’ouvrira l'exposition Insiders réalisée par arc en rêve centre d’architecture et le CAPC musée d’art contemporain.

Face aux questions sociales et économiques qui travaillent le monde, et au modèle d'une culture globale, à l'instar de la conscience écologique et de la résurgence du politique, de nouvelles solidarités opèrent. Elles permettent l'affirmation de spécificités porteuses de nouvelles logiques d'échanges et d'organisations fondées sur la coopération et la mutualisation des savoirs.

Insiders prend acte d’un regard nouveau posé sur différents usages et savoir-faire émanant de cultures et de territoires singuliers. L'actualisation et les modes de transmission de ces savoirs populaires – ou folk/lores – travaillent au sein d'un système global et à l’intérieur même de contextes locaux. Ils pointent la complexité d’identités façonnées par les multiples appropriations et transformations, circulations et métissages, qui déterminent aujourd’hui les conditions d’apparition de ces singularités contemporaines.

Cette double exposition, conçue comme un archipel de propositions artistiques et architecturales, entrecroise et rassemble une série d’œuvres récentes, de travaux, de projets en cours, et de commandes.

Pratiques, usages, savoir-faire

Du point de vue des pratiques artistiques, la méthode générale du projet se fonde sur le principe de la collecte, à la manière des premiers folkloristes qui, dès le 19ème siècle, opéraient sur leurs propres territoires par observations et recensements. Cette opération commune aux pratiques artistiques, anthropologiques et muséographiques consiste à sélectionner, rassembler, recueillir, comparer, valoriser et préserver des «unités» dans un ensemble à même de refléter les usages d’une société. Afin d’étendre ce terrain d’investigation sont invités de nombreux correspondants, « observateurs-participants » situés à divers endroits du monde, conviés à partager des données sur des situations précises. De l’ensemble d’objets à l’œuvre nouvelle, du récit « d’histoires mineures » en passant par « l’archive sauvage », ces propositions sont toutes fondées sur une collecte préalable. L’exposition se refuse au panorama pour tenter une forme plus hétérogène, à la manière d’un récit «choral».

Le point de vue de l’architecture et de la ville, se place au cœur de l'actualité économique, écologique et sociale pour observer ses mouvements et ses conversions. L'approche se fonde sur un répertoire contemporain de démarches et de projets qui, en réactualisant au quotidien la valeur de proximité, fabriquent les contours de nouveaux territoires, de formes, de signes, de relations. Ces nouvelles positions construisent des savoir-faire alternatifs qui brouillent les limites instituées entre pratiques professionnelles et amateurs. Localement et en réseau, ces phénomènes d'appropriations agissent comme force d'innovation, inventent des territoires, initient des situations – réelles ou virtuelles – offrant l'opportunité d’une réhabilitation des «savoirs du peuple», d’une mondialisation par la base et d'affinités dynamiques mises en partage. Comment la création architecturale et urbaine anticipe-t-elle ces nouvelles conditions?

De quelles manières les architectes, les urbanistes, les paysagistes s'appuient-ils sur cet autre rapport au monde, à la culture, à l'esthétique, à la technique, à l'histoire et à l'économie, pour mettre en œuvre des stratégies alternatives et inventer de nouveaux modèles ?